Recoller les morceaux : quel avenir pour la politique culturelle australienne ?

La récente élection fédérale a été accueillie avec beaucoup de soulagement par le secteur culturel, et c’est compréhensible. Comme Tony Burke l’a dit dans son premier discours en tant que ministre des Arts : “L’assaut politique de neuf ans contre le secteur des arts et du divertissement est maintenant terminé. La négligence, le mépris et le vandalisme du gouvernement précédent sont terminés”.

Les guerres culturelles sont terminées, alors que le travail de la politique culturelle commence !

Mais est-ce si simple ? Disposons-nous d’une réflexion commune et d’outils pratiques pour une manière différente de soutenir l’art et la culture ?

Nul doute que des éléments de la coalition – dont deux Premiers ministres – semblaient farouchement opposés aux arts, qu’ils voyaient comme une préoccupation du métro, « réveillant » l’élite.

Mais cette rhétorique occulte d’autres initiatives, notamment celles de George Brandeis et de Paul Fletcher. Les deux – l’un avec un poing étroit et l’autre discrètement – ont cherché à augmenter les allocations gouvernementales directes pour le financement artistique et culturel, et (en dehors des disciplines “too big to fail”) se sont concentrés sur le commerce (folk) plutôt que sur les normes artistiques (élite urbaine) . C’était – dos d’enveloppe, siège de pantalon – une sorte de politique culturelle.

Le nouveau gouvernement fédéral devrait augmenter (ou rétablir) le financement du Conseil australien et réaffirmer le principe d’indépendance. Qu’en est-il de l’autre chose : mérite technique vs retours commerciaux ? Cette question n’est pas seulement une question des neuf dernières années, et on ne peut pas la poser précisément sur la coalition ou le parti travailliste.

Les travaillistes aiment se souvenir de la création par Whitlam du Conseil de l’Australie et de l’augmentation massive du financement, mais les deux derniers documents de politique culturelle rendent hommage à Keating. Dans l’art comme dans la culture populaire, soutien et dynamisme commercial vont de pair.

Lorsque le secteur des arts s’est attaché à un chariot d’économie industrielle pour un siège à la grande table politique… il a systématiquement vidé sa propre valeur

La culture était une industrie post-industrielle, aidant à ramener tous ces emplois et exportations perdus de l’industrialisation. La culture et l’économie, longtemps opposées, sont désormais unies dans un intérêt mutuel. Ce qui était bon pour la culture était bon pour l’économie ; Pas besoin de choisir.

Burke a laissé entendre que la coalition ne reconnaissait pas la valeur culturelle ou économique des arts. Les guerres culturelles de l’alliance contre le centre-ville l’ont certainement entraînée dans cette direction. Mais Fletcher contournant le Conseil de l’Australie avec le fonds RISE (Restart Investing for Sustainability and Expansion) et faisant un don directement à une gamme de projets populaires, comme dans le cas de projets commercialement viables, indique ce qui se passe sous le radar pour certains temps.

Lorsque le secteur des arts s’est attaché à un chariot économique industriel pour une place à la table des grandes politiques – développement économique, innovation, emploi, compétences – il a systématiquement vidé sa propre valeur. Lorsque son tour économique a finalement été appelé, elle était nue dans un vent froid.

Si vous êtes une locomotive de l’industrie pour la croissance et l’innovation, pourquoi avez-vous besoin de soutien ? Et si vous avez besoin d’un « investissement » gouvernemental, pourquoi ne pas vous lancer dans ces projets commercialement viables ?

Le secteur culturel a embrassé l’appel à “l’industrie” au moment même où le gouvernement a abandonné l’idée d’industries de construction de la nation. Tout cela était bon pour la reconstruction d’après-guerre, mais pas pour l’ère de la mondialisation compétitive ! Être une industrie signifie être soumis aux mêmes types de mesures marketing et économiques que toute autre industrie.

Commencent alors 25 ans d’activité industrielle tout en demandant à être valorisée pour des raisons extra-industrielles. Les arts se sont attachés aux “industries créatives” en tant que moteurs de l’innovation, comme la recherche et le développement, en tant que développement des compétences pour d’autres secteurs d’activité. Les partisans ont utilisé le design industriel, la fabrication de chaussures, le développement de logiciels et la publicité pour augmenter les chiffres – 111 milliards de dollars – mais ont ensuite exigé que le gouvernement «finance les arts», qui n’a en fait contribué qu’à une petite partie de ce chiffre.

Peut-être devrions-nous séparer toutes ces activités commerciales ciblées des arts sponsorisés ? C’est ce qu’a fait le récent gouvernement du Soudan du Sud. Le problème est que de grandes parties des “industries créatives” sont vendues à la main comme les “arts”.

L’industrie de la musique, par exemple, est composée d’opérations hautement commerciales alimentées par un gigantesque puits artésien d’auto-exploitation, de deuxièmes emplois et d’épuisement professionnel. En tant que proposition commerciale, l’argent investi dans les sociétés gouvernementales de production cinématographique pourrait être mieux détourné vers l’hydrogène vert ou la logistique. Nous pourrions dire la même chose des jeux informatiques ou de l’artisanat. Ils ne sont pas à la hauteur du battage médiatique et sont mal servis par des politiques qui les traitent principalement comme des industries de croissance, décorées dans Op-Shop Economics 101 dont d’autres industries pourraient se moquer.

En fait, ils sont aussi de la culture. Lorsque le Conseil australien parle de la participation de 98 % de la population aux arts et à la culture, ces « industries créatives » sont les principaux fournisseurs.

Le véritable dédain de la Coalition n’était pas pour les arts mais pour l’édition, le cinéma, la télévision, la radio, les jeux et la musique, qui recevaient un traitement entièrement libre. En neuf ans, ils ont exposé tous ces secteurs à des plates-formes et conglomérats extérieurs, supprimant la protection qu’ils offrent face à l’énorme disparité des pouvoirs de marché. Ceux-ci, avec les arts, constituent notre culture contemporaine et leur livraison en gros au “marché libre” a causé des dommages durables.

Accorder au marché libre un traitement complet à des secteurs tels que le cinéma, la télévision et la musique a causé des dommages permanents. Photo : Joseph Redfield/Pixels

Le travail de politique culturelle dont parlait Burke ne nécessite pas une refonte majeure du back-office de Canberra, mais plutôt une refonte historique de la valeur de l’art et de la culture. Il faut abandonner l’idée des industries créatives. Cela gênera de nombreuses personnes et organisations qui ont épuisé beaucoup de capital politique, organisationnel et même émotionnel à terme. Mais maintenant, c’est un obstacle à une pensée claire, entravant notre capacité à faire face aux décennies à venir.

Le changement historique est le transfert de l’art et de la culture de «l’industrie» vers les services publics, tels que la santé, l’éducation et la protection sociale. Ce n’est pas un pas vers le « soutien » et la soumission directe de l’État. La santé et l’éducation sont des économies mixtes complexes, avec des acteurs locaux et mondiaux. Elles emploient beaucoup plus de personnes et génèrent beaucoup plus de surplus économique que les “industries créatives”, mais sont appréciées (en gros) pour leur contribution à la santé et à l’éducation. Nous ne justifions pas la construction d’un hôpital pour les frais de stationnement et les dépenses excessives dans les cafés locaux.

Pourquoi financer les arts et la culture ? Parce qu’ils font partie de notre citoyenneté démocratique…

Cette semaine, lors de l’événement Arts and Culture Reset, je parlerai de l’économie fondamentale, une idée qui gagne du terrain en Australie et dans le monde. Le groupe d’économistes et d’experts en politique sociale à l’origine de cette approche affirme que pour la plupart des économies locales et régionales, l’emploi dans les infrastructures, les services et les petites entreprises locales « quotidiennes » représente plus de 60 % du total. Nos recherches le confirment en Australie-Méridionale. Pourquoi le secteur culturel s’aligne sur le secteur de l’innovation et des services de haute technologie, qui constitue une partie relativement petite de l’économie régionale, alors qu’ils peuvent se considérer comme faisant partie d’un si grand secteur fondamental.

Ce n’est pas seulement une culture qui s’associe à un autre argument économique. Ce consensus ramène le secteur culturel à sa vocation générale. Pourquoi financer les arts et la culture ? Parce qu’ils font partie de notre citoyenneté démocratique, au même titre que la santé, l’éducation, la mobilité, le logement et le bien-être. L’art et la culture sont des économies mixtes – beaucoup ne peuvent pas survivre sans soutien, beaucoup sont hautement commerciales, certaines sont micro et certaines sont dispersées dans le monde entier. Tout comme les secteurs de l’éducation et de la santé, ou d’autres services de base.

Le travail sérieux de la politique culturelle est le meilleur moyen de garantir que le secteur puisse bénéficier aux travailleurs, aux propriétaires et aux administrateurs tout en fournissant une gamme complexe de services aux multiples besoins des citoyens australiens.

La culture, comme la santé et l’éducation, est une économie, mais la tâche n’est pas de maximiser son “efficacité” telle que mesurée par la croissance, la productivité et les profits, mais de maximiser les avantages qu’elle nous apporte à tous. Cela nécessite une connaissance approfondie de ces économies culturelles : comment fonctionne le cinéma mondial et comment nous pouvons y intervenir pour développer un environnement cinématographique local ; Quel type d’organisation de plate-forme pourrait fonctionner dans un pays comme l’Australie ; Où est l’asymétrie sur le marché et que pouvons-nous faire pour niveler le terrain ; Comment fonctionne le diffuseur national à l’ère de la radiodiffusion ? Mais l’épuisement des capacités de recherche dans le secteur et la moindre analyse de l’impact du plaidoyer nous ont rendus moins aptes à résoudre ces problèmes.

Surtout, les nouveaux paramètres de politique incluront le parrainage. Est-ce que tous les Australiens ont des chances égales – à l’alphabétisation et à la bibliothèque, à l’éducation créative, participative et pratique ? Où sont les professeurs d’art, de théâtre et de musique et qui les enseigne ? Où est le NBN et comment est-il porté à cet agenda, pour tout le monde.

En fin de compte, cela revient à la question qui est au cœur de la colère de Burke, et que beaucoup d’entre nous partagent : quel genre de pays ne finance pas l’art et la culture ? Vous ne savez pas comment l’évaluer ?

Nous devons apprendre comment le financer au mieux, comment organiser et entretenir un système culturel aussi complexe, multiforme à l’échelle mondiale et interconnecté localement. Mais le vrai travail acharné est d’apprendre à le valoriser.

Après des décennies au cours desquelles une version de “l’économiste” est devenue un verdict de toutes valeurs, cela va prendre du temps. Mais s’éloigner des industries créatives et aligner la culture sur les fondements sociaux est un bon début.

Justin O’Connor Professeur d’économie culturelle à l’Université d’Australie du Sud. Il a lancé un nouveau document de travail, “L’art, la culture et l’économie de la Fondation” lors d’un événement de réinitialisation le 24 juin.

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