Les 5 meilleurs films du Festival du film de Sydney 2022

De retour en juin, après la tourmente des deux dernières années, le Twin Lights Festival – Vivid et le Sydney Film Festival – refont la ville.

Voici mes choix pour le meilleur film sur la quarantaine que j’ai réussi à capturer.

La femme de Tchaïkovski

Écrit et réalisé par l’auteur russe Kirill Serebrenkov, La femme de Tchaïkovski est une charmante exploration de l’obsession de l’idéaliste pour la grandeur.

Le film suit Antonina Milyukova (Alyona Mikhailova) alors qu’elle rencontre puis décide qu’elle veut épouser le célèbre compositeur Tchaïkovski (Odin Lund-Byron). Tchaïkovski accepte de l’épouser, essentiellement, comme le suggère le film, comme une barbe couvrant sa sexualité et pour sa dot proposée.

Il se lasse rapidement d’elle – elle est agaçante, collante, ne comprend pas et ne s’entend pas avec son style de vie bohème – et demande une séparation. Mais elle refuse d’abandonner, et une grande partie du film consiste à suivre le refus épuisant d’Antonina de renoncer à sa croyance illusoire dans la fidélité et la splendeur de son mariage.

Le film suit Antonina Milyukova (jouée par la magnifique Alyona Mikhailova) alors qu’elle rencontre puis décide qu’elle veut épouser le célèbre compositeur Tchaïkovski (Odin Lund-Byron).
Festival du film de Sydney

C’est une histoire incroyablement triste et drôle à la fois, l’histoire du refus naïf d’un imbécile de ne pas croire en son amour est aussi touchante qu’exaspérante. Mais à la fin du film, toute trace d’humour a disparu – Antonina a donné naissance à trois enfants de son avocat Nikolai (Miron Fedorov), et tous sont morts à l’orphelinat dans lequel elle les a laissés. Le tout se termine par une superbe séquence de danse surréaliste, l’ingéniosité de l’équipe de production en plein écran.

Regarder un film comme la femme de Tchaïkovski au cinéma est un vrai plaisir. Il regorge de détails d’époque magnifiquement orchestrés qui capturent la folie de l’Europe du XIXe siècle. Je suis sûr que cela restera comme l’un des chefs-d’œuvre du 21e siècle.

le feu de l’amour

A voir également sur grand écran, Fire of Love est un documentaire qui suit le travail et la vie de Katia et Maurice Kraft, volcanologues français.

La scénariste et réalisatrice Sarah Dosa met habilement en lumière le contraste d’humeur des deux chercheurs sans pour autant diminuer le sérieux de leurs recherches sur les volcans. Morris apparaît parfois comme un artiste médiatique accompli, presque un charlatan, contrairement à sa femme sobre et sérieuse. Dusa note que cela a fonctionné pour le couple, à la fois sur le plan personnel et dans la division du travail, Morris réalisant leurs films et faisant la plupart des tournées de conférences, et Katya écrivant et publiant leurs recherches.

Fire of Love est un documentaire qui suit le travail et la vie de Katia et Maurice Kraft, volcanologues français.
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Fire of Love est incroyablement documentaire. La narration de Miranda July est étonnamment sobre et de superbes plans des volcans capturés par le couple sur un film 16 mm flamboient à l’écran. La compilation du matériel d’entrevue d’archives est également de premier ordre.

L’engouement des Krafft pour les volcans – et pour quelques autres – sous-tend à tout moment le film, et lui donne son énergie, jusqu’au moment tragique (et romantique) de la mort du couple, en tandem, sous les cendres du mont Unzen au Japon en 1991 .

passagers de nuit

Le roman de Mikhaël Hers “Passagers de la nuit” est si émotionnellement sans vergogne avec un tel degré d’indifférence que je suis sûr qu’il a dû rebuter certains téléspectateurs. Mais je l’aimais.

Le récit suit la mère célibataire Elizabeth (Charlotte Gainsbug, parfaite comme d’habitude) alors qu’elle assume la tâche d’auditer les appels d’une émission de radio de fin de soirée pour subvenir à ses besoins, son fils adolescent Mathias (Keto Rayon Richter) et sa fille Judith (Megan Northam) . Leur dynamique familiale change lorsqu’Elizabeth fait venir le magicien toxicomane Waif Talulah (Noée Abita).

La reconstitution nostalgique du Paris des années 1980 du film est ponctuée de moments de connexion entre mère, fils, fille et ami. Le mélange du drame et de la comédie fonctionne très bien du fait de sa touche légère, et le tout est non argumentatif (le cinéma anglosphère actuel peut en apprendre beaucoup).

Les passagers de nuit sont émotifs et sans vergogne.
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C’est certainement un fantasme – le fantasme de la famille, des amis, de la flexibilité et de la romance parisienne des années 80 – et comme les fantasmes les plus puissants, il nous fait sortir du présent dans un moment qui n’aurait peut-être jamais été, mais j’ai néanmoins eu le plaisir de imaginer une fois – ou cela aurait pu l’être.

Arrière-pays

Hinterland réalisé par Stefan Rozovitsky est un film impressionnant à tous égards. Il est visuellement brillant, avec sa recréation délibérée de l’esthétique expressionniste allemande qui fonctionne parfaitement avec son récit engageant.

Peter Berg (Morathan Muslow), un soldat marqué par la bataille qui revient à Vienne après la Seconde Guerre mondiale, reprend sa carrière de détective pour traquer un tueur en série qui tue d’anciens soldats de certaines des manières les plus horribles que l’on voit dans les films. Divers indices le ramènent vers ses souvenirs de la guerre – et une appréciation définitive de sa fragilité.

Le ton est sombre et implacable, mais tout est très élégant, les acteurs sont charismatiques – Muslu livre l’une des performances les plus marquantes du cinéma moderne – et le récit policier est si convaincant que le film passe en un éclair.

Hinterland suit Peter Perg (Murathan Muslu), un soldat marqué par la bataille qui revient à Vienne après la Première Guerre mondiale, qui reprend sa carrière de détective pour tenter de retrouver un tueur en série qui tue d’anciens soldats /
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Hinterland fait revivre l’âge d’or du cinéma européen et un thriller tueur en série. C’est un grand film, mieux vu sur le plus grand écran que vous pouvez trouver, et il perpétue l’héritage de Ruzowitzky de faire des films à gros budget dans l’Euro.

le pardonné

Le travail de John Michael McDonagh échoue parfois – il peut sembler prétentieux dans ses tentatives d’originalité, dans ses bévues politiques délibérées et son sens de l’humour décalé. Ce n’est certainement pas le cas avec The Forgiven.

Il s’agit d’un film presque complet (entaché d’une fin imparfaite), d’un film exténuant de vengeance et de rédemption de style Calvaire et d’une étude – et d’une critique – des excès continus de l’élite occidentale dans l’un des anciens avant-postes coloniaux de l’empire, le Maroc.

La majeure partie de The Forgiven se déroule lors d’une fête dans le manoir ridicule de Richard Galloway (Matt Smith) dans les montagnes du Haut Atlas.
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La majeure partie du film se déroule lors d’une fête dans l’opulent manoir de Richard Galloway (Matt Smith) dans la villa Upper Atlas. Lorsque l’alcoolique David (Ralph Fiennes) et sa femme Jo (Jessica Chastain) renversent un garçon local alors qu’ils se rendent à la fête, David est obligé de se lancer dans un voyage rituel qui comprend le retour à la maison du garçon pour aider à enterrer le corps, tandis que Jo reste à la fête – et fait la fête !



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Le contraste entre l’évolution de Fiennes d’un antisocial militant à un humaniste sympathique peut sembler si élégant sur le papier (avec une bouffée de colonialisme autour de lui – le corps arabe n’est bon que pour la rédemption d’un maître blanc), mais McDonagh l’a si subtilement présenté ( et Fiennes) qu’il contient un portrait émotionnel du spectateur.

The Forgiven a toutes les caractéristiques de la signature de McDonagh – l’humour de la potence, beaucoup d’alcool et un engagement catholique envers les possibilités de salut malgré (ou à cause) des horreurs de la vie. Mais sa structure austère dans laquelle le sérieux du parcours de David contraste si brutalement avec la décadence bourgeoise du parti le rend plus efficace que ses films précédents.

Le meilleur du reste

Il y avait beaucoup d’autres films qui pourraient remplacer n’importe lequel de la liste ci-dessus.

L’étonnant documentaire Into the Ice, par exemple, présente des images époustouflantes du scientifique Alon Hubbard descendant dans le Moline au Groenland, ou le drame d’époque danois Godland, magnifiquement tourné sur celluloïd après le voyage d’un prêtre du givre à travers l’Islande.

The Day After… Écrit et réalisé par Kamar Ahmed Simon, un superbe documentaire hybride fantastique, qui suit les passagers d’un bateau à vapeur voyageant de Chaka à Khulna au Bangladesh.

Le film d’horreur espagnol Piggy est l’un des meilleurs genres que j’ai vus, et Inu-Oh, un opéra rock anime bizarre, présente le réalisateur Masaaki Yuasa comme l’une des voix les plus originales travaillant dans le médium aujourd’hui.

Piggy est un film d’horreur social intéressant sur le choc et la vengeance.
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Les seules déceptions étaient Troubles et Elvis. La prémisse de Unrest est excellente – dans la Suisse de la fin du XIXe siècle, nous suivons le travail des horlogers alors qu’une révolution se prépare – mais son traitement était si ennuyeux et douloureux à regarder. De même, Elvis est gêné par un traitement mesquin, ce qui est surprenant compte tenu du style habituel du réalisateur Baz Luhrmann, et presque dépassé par la performance douloureuse et exaspérante de Tom Hanks en tant que colonel, le manager corrompu d’Elvis.

L’une des tragédies amusantes de la plupart des festivals de cinéma est qu’on ne peut pas voir tout ce que l’on veut voir, et certains des films majeurs que j’ai manqués incluent Close, le gagnant du Sydney Film Award, The Sadness Triangle de Robin Ostlund qui a remporté le Palme d’Or à Cannes et Julia Davis “Nude Tuesday”. Compte tenu de leur succès international, ces films devraient bientôt sortir en salles.